Tienen un significado que es exterior pero hace que se vuelva imaginable para la perspectiva humana, como un paisaje, del cuál imaginamos el ambiente con sólo ver una simple imagen. O podemos codificar símbolos pertenecientes a una imagen y a la vez decodificarlos, pudiendo ser estos cosas simples pero simbólicas dependiendo de la persona.
Una imagen no es sólo un archivo o registro, debido a que está sujeta a su propia intención y a la del que la observa.
En la linealidad histórica nada se repite, donde se rige la ley de causa y efecto, lo cual de alguna manera repercutirá en la vida de los demás y en la historia.
Es un error tratar de descifrar las imágenes como hechos congelados, debido a que las imágenes tienen en sí elementos y símbolos diferentes, los cuales te llevan, a la situación que simboliza la imagen, en que se encuentra.
200 mil millones de años y sigue igual el cerebro desde el primer homosapients.
El cerebro puede alterar la calidad de la percepción, debido a que es una fábrica química gigante. La serotonina puede actuar como inhibidor o intensificador. Muchas descargas en el cerebro ayudan a alterar la percepción. La oxitosina es aquella que une los lasos familiares o relaciones monogámicas.
El amor no existe sólo es un conjunto de reacciones químicas.
Bueno, el principio del doble y la mitad es sencillo de aprender. la mitad de 1.4 es 2 y 1.4 es el doble de 1.4. Es decir, 1.4 su mitad es 2, la de 2 es 2.8, la de 2.8 es 4, la de 4 es 5.6 y la de 5.6 es 8 y para sacar el doble es al reves, el doble de 8 es 5.6, el doble de 5.6 es 4 y el de 4 es 2.8 y el de 2.8 es 2. y así sucesivamente.
Los retratos estuvieron presentes desde comienzos de la historia de la fotografía y a medida que éste nuevo arte se popularizó la clase media y alta quiso hacerse retratar.
La tarjeta de visita fue tal vez la forma más popular de retratos desde mediados de 1800, hasta finales del siglo XIX.
La fotografía se desarrollaba rápidamente y nuevas técnicas y procesos hacían que el tiempo de exposición no fuera tan largo y que se pudieran replicar fácilmente las copias.
En 1854 el fotógrafo francés André Adolphe Disdéri patentó su nuevo invento: una fotografía de 8.75 x 6.25 centímetros, pegada sobre una tarjeta un poco más grande, la cual era producida durante la toma de 8 imágenes en una sola sesión usando una cámara con cuatro lentes.
La persona posaba en forma relajada, generalmente de cuerpo entero y utilizando poses, fondos y mobiliario muy teatral. Algunas veces se fotografiaba sobre fondo blanco y se colocaba la fotografía entre un recuadro o un ovalo, algunas veces profusamente decorado.
Una vez salió al mercado éste nuevo invento se popularizó de inmediato y vino a reemplazar las tarjetas con el nombre y la dirección que se usaban como una forma de presentación personal.
En un principio las fotografías eran hechas en estudio y muchas veces trataban de imitar famosas obras de arte, pero luego fueron tomando su propio lenguaje y los adultos posaban con las herramientas propias de su trabajo y emblemas de su rango y los niños con sus juguetes. Luego se utilizaban monumentos y lugares públicos para hacer las tomas.
La popularidad fue tan grande que la familia inglesa permitió la venta de 70,000 tarjetas con la fotografía de la reina Victoria a la muerte de su esposo el príncipe Alberto. Pronto las tarjetas se hicieron objetos de colección y las personas las atesoraban en álbumes. De la propia reina Victoria se dice que reunió una colección de mas de 100 álbumes con tarjetas de la nobleza europea.
Los principales factores que determinan la iluminación son:
-Origen: natural o artificial
-Número de las fuentes luminosas
-Dirección o posición de la fuente respecto a la cámara y el motivo
-Difusión o forma de emanar y llegar al objeto: directa, difusa, etc.
-Color
La luz sirve en muchos casos para dar forma al objeto. Lo que nos permite ver la calidad de la imagen.
-Luz continua (lámparas), intermitente (flashes).
-Dirección y posición de la fuente de luz pequeña: zona de sombra y de luz.
-Luz difusa omnidireccional (suave).
-Luz dura o directa unidireccional (duras.)
Tipos de luz:
-Cenit (arriba)
-Nadir (luz de ultratumba)
-Inferior
-Rasante: la luz rasante es un sencillo método de examen para el análisis de las obras de arte. Es tan simple como situar un foco de luz de manera que ilumine la obra desde un ángulo lateral casi en paralelo con su superficie. Gracias a la luz rasante es posible apreciar detalles de la pieza que a simple vista pasaban desapercibidos. Algo parecido es lo que propone este blog. Poner de relieve y analizar de una forma sencilla temas relacionados con el arte el patrimonio, su conservación y su restauración.
-Rim (45°) o casi a 90° luz dura sin difusor
-Posterior
Las luces duras en el retrato marcan mucho más los rasgos que las suaves. Participan en la composición de una forma más clara ya que las líneas que se generan son más nítidas. Pequeños movimientos del sujeto, de las luces o de la cámara provocan cambios muy grandes en el resultado de la imagen. La posición de la luz y como incide en la cara, será una preocupación fundamental en cualquier retrato. La tendencia de iluminar con luces duras y sin rellenos, provoca una sensación de “nocturnidad” a la escena. Son los tonos oscuros los que prevalecen, una llave “baja” (Low Key).
Las luces suaves, son aquellas que, reflejadas o transmitidas en grandes superficies, generan sombras difusas. El sol directo transmitido en las nubes un día nublado genera sombras suaves, lo mismo hace al rebotar contra una pared. En el estudio utilizamos telas traslucidas, papel vegetal o plásticos tipo “pañal de bebe” para conseguir este tipo de luz. Rebotando lámparas o flashes sobre grandes reflectores también podemos suavizar la luz.Los paraguas se usan de forma reflejada o transmitida con resultados parecidos.Para controlar el contraste es muy habitual utilizar una luz suave como relleno de la luz principal.
Nació en Nueva York, el 15 de mayo de 1923 — San Antonio, Texas, y muere el 1 de octubre de 2004 fue un fotógrafoestadounidense.Empezó a practicar la fotografía a la edad de diez años: su primer modelo fue el compositor ruso Serguéi Rachmaninov, amigo personal de sus padres. Estudió la disciplina en la New School of Social Research, después de lo cual realizó trabajos para revistas de moda como Harper's Bazaar (1946-1965), Vogue (1966-1990) y el semanario The New Yorker. Avedon se convirtió en uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, con un estilo caracterizado por el constante juego entre contrastes, tanto visuales (negro y blanco) como conceptuales (sofisticación y frivolidad). Entre sus trabajos más destacados cabe señalar así mismo numerosos retratos, a menudo austeros y hieráticos. En 1959 se publicó la primera antología de su obra fotográfica, Observations, seguida más adelante por Nothing personal (1974) y Portraits (1976), entre otras.
Fotógrafo de gran reputación en la moda y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años cincuenta realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años sesenta y setenta. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.
En los años sesenta Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el Sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro “Nothing Personal”. A finales de los sesenta y principios de los setenta, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Berlín para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el muro.
Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.
En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth (Texas), Avedon dedicó cinco años a recorrer el Oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the American West, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc.; en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.
Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17,000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In The American West 1979 – 1984
Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.
Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.
El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por The New Yorker, el cual se titulaba On Democracy, y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1º de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.
