Tienen un significado que es exterior pero hace que se vuelva imaginable para la perspectiva humana, como un paisaje, del cuál imaginamos el ambiente con sólo ver una simple imagen. O podemos codificar símbolos pertenecientes a una imagen y a la vez decodificarlos, pudiendo ser estos cosas simples pero simbólicas dependiendo de la persona.
Una imagen no es sólo un archivo o registro, debido a que está sujeta a su propia intención y a la del que la observa.
En la linealidad histórica nada se repite, donde se rige la ley de causa y efecto, lo cual de alguna manera repercutirá en la vida de los demás y en la historia.
Es un error tratar de descifrar las imágenes como hechos congelados, debido a que las imágenes tienen en sí elementos y símbolos diferentes, los cuales te llevan, a la situación que simboliza la imagen, en que se encuentra.
200 mil millones de años y sigue igual el cerebro desde el primer homosapients.
El cerebro puede alterar la calidad de la percepción, debido a que es una fábrica química gigante. La serotonina puede actuar como inhibidor o intensificador. Muchas descargas en el cerebro ayudan a alterar la percepción. La oxitosina es aquella que une los lasos familiares o relaciones monogámicas.
El amor no existe sólo es un conjunto de reacciones químicas.
Bueno, el principio del doble y la mitad es sencillo de aprender. la mitad de 1.4 es 2 y 1.4 es el doble de 1.4. Es decir, 1.4 su mitad es 2, la de 2 es 2.8, la de 2.8 es 4, la de 4 es 5.6 y la de 5.6 es 8 y para sacar el doble es al reves, el doble de 8 es 5.6, el doble de 5.6 es 4 y el de 4 es 2.8 y el de 2.8 es 2. y así sucesivamente.
Los retratos estuvieron presentes desde comienzos de la historia de la fotografía y a medida que éste nuevo arte se popularizó la clase media y alta quiso hacerse retratar.
La tarjeta de visita fue tal vez la forma más popular de retratos desde mediados de 1800, hasta finales del siglo XIX.
La fotografía se desarrollaba rápidamente y nuevas técnicas y procesos hacían que el tiempo de exposición no fuera tan largo y que se pudieran replicar fácilmente las copias.
En 1854 el fotógrafo francés André Adolphe Disdéri patentó su nuevo invento: una fotografía de 8.75 x 6.25 centímetros, pegada sobre una tarjeta un poco más grande, la cual era producida durante la toma de 8 imágenes en una sola sesión usando una cámara con cuatro lentes.
La persona posaba en forma relajada, generalmente de cuerpo entero y utilizando poses, fondos y mobiliario muy teatral. Algunas veces se fotografiaba sobre fondo blanco y se colocaba la fotografía entre un recuadro o un ovalo, algunas veces profusamente decorado.
Una vez salió al mercado éste nuevo invento se popularizó de inmediato y vino a reemplazar las tarjetas con el nombre y la dirección que se usaban como una forma de presentación personal.
En un principio las fotografías eran hechas en estudio y muchas veces trataban de imitar famosas obras de arte, pero luego fueron tomando su propio lenguaje y los adultos posaban con las herramientas propias de su trabajo y emblemas de su rango y los niños con sus juguetes. Luego se utilizaban monumentos y lugares públicos para hacer las tomas.
La popularidad fue tan grande que la familia inglesa permitió la venta de 70,000 tarjetas con la fotografía de la reina Victoria a la muerte de su esposo el príncipe Alberto. Pronto las tarjetas se hicieron objetos de colección y las personas las atesoraban en álbumes. De la propia reina Victoria se dice que reunió una colección de mas de 100 álbumes con tarjetas de la nobleza europea.
Los principales factores que determinan la iluminación son:
-Origen: natural o artificial
-Número de las fuentes luminosas
-Dirección o posición de la fuente respecto a la cámara y el motivo
-Difusión o forma de emanar y llegar al objeto: directa, difusa, etc.
-Color
La luz sirve en muchos casos para dar forma al objeto. Lo que nos permite ver la calidad de la imagen.
-Luz continua (lámparas), intermitente (flashes).
-Dirección y posición de la fuente de luz pequeña: zona de sombra y de luz.
-Luz difusa omnidireccional (suave).
-Luz dura o directa unidireccional (duras.)
Tipos de luz:
-Cenit (arriba)
-Nadir (luz de ultratumba)
-Inferior
-Rasante: la luz rasante es un sencillo método de examen para el análisis de las obras de arte. Es tan simple como situar un foco de luz de manera que ilumine la obra desde un ángulo lateral casi en paralelo con su superficie. Gracias a la luz rasante es posible apreciar detalles de la pieza que a simple vista pasaban desapercibidos. Algo parecido es lo que propone este blog. Poner de relieve y analizar de una forma sencilla temas relacionados con el arte el patrimonio, su conservación y su restauración.
-Rim (45°) o casi a 90° luz dura sin difusor
-Posterior
Las luces duras en el retrato marcan mucho más los rasgos que las suaves. Participan en la composición de una forma más clara ya que las líneas que se generan son más nítidas. Pequeños movimientos del sujeto, de las luces o de la cámara provocan cambios muy grandes en el resultado de la imagen. La posición de la luz y como incide en la cara, será una preocupación fundamental en cualquier retrato. La tendencia de iluminar con luces duras y sin rellenos, provoca una sensación de “nocturnidad” a la escena. Son los tonos oscuros los que prevalecen, una llave “baja” (Low Key).
Las luces suaves, son aquellas que, reflejadas o transmitidas en grandes superficies, generan sombras difusas. El sol directo transmitido en las nubes un día nublado genera sombras suaves, lo mismo hace al rebotar contra una pared. En el estudio utilizamos telas traslucidas, papel vegetal o plásticos tipo “pañal de bebe” para conseguir este tipo de luz. Rebotando lámparas o flashes sobre grandes reflectores también podemos suavizar la luz.Los paraguas se usan de forma reflejada o transmitida con resultados parecidos.Para controlar el contraste es muy habitual utilizar una luz suave como relleno de la luz principal.
Nació en Nueva York, el 15 de mayo de 1923 — San Antonio, Texas, y muere el 1 de octubre de 2004 fue un fotógrafoestadounidense.Empezó a practicar la fotografía a la edad de diez años: su primer modelo fue el compositor ruso Serguéi Rachmaninov, amigo personal de sus padres. Estudió la disciplina en la New School of Social Research, después de lo cual realizó trabajos para revistas de moda como Harper's Bazaar (1946-1965), Vogue (1966-1990) y el semanario The New Yorker. Avedon se convirtió en uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, con un estilo caracterizado por el constante juego entre contrastes, tanto visuales (negro y blanco) como conceptuales (sofisticación y frivolidad). Entre sus trabajos más destacados cabe señalar así mismo numerosos retratos, a menudo austeros y hieráticos. En 1959 se publicó la primera antología de su obra fotográfica, Observations, seguida más adelante por Nothing personal (1974) y Portraits (1976), entre otras.
Fotógrafo de gran reputación en la moda y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años cincuenta realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años sesenta y setenta. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.
En los años sesenta Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el Sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro “Nothing Personal”. A finales de los sesenta y principios de los setenta, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Berlín para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el muro.
Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.
En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth (Texas), Avedon dedicó cinco años a recorrer el Oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the American West, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc.; en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.
Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17,000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In The American West 1979 – 1984
Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.
Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.
El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por The New Yorker, el cual se titulaba On Democracy, y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1º de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.
La verdad es la clase más entretenida que he tenido, lo malo es que casi no pudimos tomar muchas fotos, y es más complicado el hecho de que se tienen que mandar a revelar en vez de poder verse en una pantallita, ya que en el revelado si te equivocas no vas a saberlo hasta ver la impresión.
En mi vida había utilizado una cámara reflex, pero ya la se usar, no soy una experta, pero puedo tomar fotos. Me gustó aprender a usarla, y los efectos que tiene para las fotos.
Las clases fueron buenas y muy visuales, y me agrado mucho eso, porque de cierta manera te mantiene despierto.
En el caso de algunos autores, como el estilo de Joel Peter Witkin y Nebreda, puedo ver las fotografías en la clase, pero en otro lugar no, la verdad está muy bien la temática pero, no son fotografías que plenamente disfrute, por ejemplo en el trabajo de Witkin, no me gustan sus fotos más que la que está publicada en el blog y otra donde está un esqueleto, no me gustan sus fotos, por saber que trabaja con muertos y cosas algo extrañas. No es que tenga algo en contra de que use a los muertos, si no que, tengo fobia a los muertos y esa es una de las principales razónes. Y en el caso de Nebreda no me gustan porque refleja mucha crueldad y crudeza, si me llega lo que quiere transmitir la imagen, en cuanto a dolor y sufrimiento, pero no, me agrada, o como lo decíamos en clase me rompe la imagen.
Una de las que si me gusto es de "Piss christ", de Andress Serrano, porque a simple vista la imagen y con el nombre que tiene, como que te indigna, pero cuando te lo plantean como el maestro joel, ya empiezas a tener otra idea diferente, como cuando mencionó, que literalmente eso es lo que hacemos, orinamos a cristo con todos nuestros pecados e injurias, cada vez que hacemos algo malo. Además el color como ambar le da un toque muy bonito y artístico.
Me gusto esta clase, porque no era el mismo esquema de que uno siempre tiene que estar leyendo, si no, poder apreciar los diferentes tipos de artes que hay y ver de diferente forma las cosas.
Es en la clase donde más me he reido, y eso me agrada, porque no hay tanta monotonía, ni tanto formalizmo apático, es de cierto modo, más interactiva, además porque el maestro es el que la hace más interactivo y utiliza frases o palabras que están en el momento. Me agrado que el maestro rompiera la imagen, de aquel maestro rutinario que no permite apreciar imágenes, ni divertirte haciendolo.
Niépce estaba interesado en la litografía (La Litografía es un procedimiento de impresión, hoy casi en desuso, salvo para la obtención y duplicación de obras artísticas. Su creador fue de origen alemán, Aloys Senefelder. Etimológicamente la palabra litografía viene de los términos griegos lithos piedra, y graphe dibujo.), y comenzó sus experiencias con la reproducción óptica de imágenes realizando copias de obras de arte, utilizando para ello los dibujos realizados para la plancha por su hijo. Sus primeros experimentos, en 1813, utilizaban gomas resinosas expuestas directamente a la luz del sol. Su primer éxito en la obtención de medio sensible a la luz vino con el uso de asfalto disuelto en aceite.
Cuando en el año 1814 su hijo se alistó en el ejército, tuvo la idea de emplear una cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas. Empezó utilizando la piedra como soporte para fijar las imágenes, aunque desistió pronto por los grandes problemas que acarreaba. Siguió entonces con el papel, luego con el cristal y, por último, con diversos metales como el estaño, el cobre y el peltre.
Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación.
Un par de años después, ya en 1818, obtiene imágenes directamente en positivo, sacrificando de este modo las posibilidades de reproducción de las imágenes, por ser las obtenidas imágenes únicas.
Al procedimiento utilizado lo llamó heliografía (del griego Ηλιος, helios, «sol», y γραφια, grafía, «escritura» o «dibujo»), distinguiendo entre heliograbados —reproducciones de grabados ya existentes— y puntos de vista —imágenes captadas directamente del natural por la cámara—.
Punto de vista desde la ventana de Gras, datada en el año 1826, es la primera fotografía conocida y se conserva en la actualidad en la Universidad de Texas. Realizada unos diez años después de que consiguiera las primeras imágenes, recoge un punto de vista de una calle fijado sobre una placa de metal. Necesitó 8 horas de tiempo de exposición de la placa a la luz. Para realizar esta fotografía utilizo una plancha de peltre recubierta de betún de Judea, exponiendo la plancha a la luz quedando la imagen invisible; las partes del barniz afectadas por la luz se volvían insolubles o solubles, dependiendo de la luz recibida. Después de la exposición la placa se bañaba en un disolvente de aceite esencial de lavanda y de aceite de petróleo blanco, disgregándose las partes de barniz no afectadas por la luz. Se lavaba con agua pudiendo apreciar la imagen compuesta por la capa de betún para los claros y las sombras por la superficie de la placa plateada.
En vista de que no resolvió la cuestión de la fijación de las imágenes, ya que las mismas perdían nitidez rápidamente con el paso del tiempo hasta resultar invisibles, no se le considera el único inventor de la fotografía, asociándose por ello su nombre al de Daguerre, quien incorporó al procedimiento la utilización del yoduro de plata y el vapor de mercurio.
A través de los ópticos Chevalier, Niépce entró en contacto con Daguerre con quien firmó un contrato de constitución de una sociedad, el día 14 de diciembre de 1829, para el desarrollo y comercialización del invento.
A causa de una apoplejía sufrida en su estudio de Saint Loup de Varennes (Borgoña), falleció el día 5 de julio de 1833, a los sesenta y ocho años, siendo enterrado en el cementerio del pueblo.
Gracias a la publicación en el año 1841 de la obra de su hijo Isidore Niépce titulada Historia del descubrimiento del invento denominado daguerrotipo se pudo aclarar su papel en la historia del descubrimiento de la fotografía, ante las maniobras realizadas por Daguerre para ocultar sus trabajos.
Nacida en 1949, ha participado en conferencias, curado varias exposiciones fotográficas, y fue miembro de la junta directiva del consejo mexicano de fotografía. En 1994, a través de Fondo Nacional para la cultura y las artes ella fue artista en residencia en el nexus contemporary art center en Atlanta, EE.UU. En 1997 fue seleccionada para la presentación de su trabajo en la conferencia anual de s.p.e. en Dallas y en ese mismo año, fue invitada a participar en la Bienal de La Habana. Sus fotografías se han exhibido desde 1983 en más de 90 exposiciones colectivas por todo el mundo. Ella ha tenido exposiciones individuales en Cuba, Austria, Serbia, Francia, Estados Unidos, España, Sudáfrica y México.
Ella ha sido profesora particular del FONCA, en su programa para fotógrafos jóvenes y miembro de su comité consultivo en fotografía. Su libro, “Cárcel de los Sueños”, con introducción escrita por Elena Poniatowska, fue publicado en 1997. En el año 2000, fue nombrada becaria de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation y desde 2001, ella es miembro del sistema nacional de creadores. Algunos de sus reconocimientos incluyen: primer premio. "Mujeres creadoras de la imagen", Bienal de Guadalajara; "Proyectos Especiales". Consejo mexicano para la cultura y las artes; "Beca de Ensayo" del Instituto nacional de bellas artes , México; mención honorífica premio Casa de las Americas, Cuba; segundo premio. " salón internacional",Asturias, España; primer premio. "Fotografía antropológica", INAH, México.
La motivación de Vida Yovanovich al emprender este cuerpo de trabajo ha sido capturar la esencia de individuos que ella ha logrado conocer, iluminar el carácter de su humanidad. Estas imágenes reflejan una relación intensa y de confianza entre el fotógrafo y el sujeto, en la cual la cámara fotográfica se convierte en un testigo notable de un reino que a menudo ha sido exagerado, pero que aún más a menudo, ha sido ignorado.
El don del artista consiste en ampliar esa relación hacia afuera para incluir al espectador. Al hacer esto, Yovanovich nos niega la posibilidad de neutralidad. En última instancia, debemos decidir si vemos lo capturado como existente pero afuera, lejano y sin relación con nuestra experiencia, o si identificamos a algo de nosotros mismos en las figuras que encarnan a la vida en su más grande precariedad y vulnerabilidad
Es una fotógrafa documentalAmericana, cineasta documentalista y fotoperiodista. Ha publicado tres libros de su obra, y ha aparecido en una variedad de revistas. Sus fotografías suelen ocuparse de cuestiones relacionadas con la cultura juvenil, la identidad de género, la imagen corporal, trastornos de la alimentación, y la influencia de la cultura popular sobre la forma en que vivimos.En su mayo-junio de 2003 cuestión, que fue nombrada como una de los 25 fotógrafos que trabajan porAmerican Photo Magazine. En abril de 2005, American Photo Magazine también su nombre, junto con otros ocho miembros de la Agencia de fotos VII, figuró entre tres de las 100 personas importantes en la fotografía.
Greenfield se graduó de Harvard en 1987 con un BA, Visual especialización en Estudios Ambientales. Su principal proyecto de tesis sobre la Aristocracia francés se llama "sobrevivientes de la Revolución Francesa". Esta labor ayudó a kickstart su carrera como pasante para la revista National Geographic. Una posterior donación de National Geographic ayudó a su debut con su monografía, "Avance rápido: Creciendo a la sombra de Hollywood" (Knopf, 1997). Cinco años después de la liberación de "Fast Forward", Greenfield produjo un segundo tour-de-fuerza del proyecto acerca de la autoestima de crisis entre las mujeres de América, titulado "Girl Culture".
.Su trabajo está en muchas de las principales colecciones, incluyendo al Instituto de Arte de Chicago, Los Angeles County Museum of Art, el San Francisco Museum of Modern Art, el Centro Internacional de Fotografía, el Center for Creative Photography, el Museo de Bellas Artes (Houston), el Archivo de la Universidad de Harvard, la Biblioteca de Clinton, y el Ministerio francés de Cultura. Está representada por el Pace / MacGillGallery de Nueva York y la Fahey / Klein Gallery de Los Angeles.
Greenfield también ha dirigido un largometraje documental de HBO titulado delgada, y ha publicado un libro de acompañamiento con el mismo título. Esta característica película documental fue seleccionado para la competencia en el Festival de Cine de Sundance en 2006. En septiembre de 2006, Greenfield recibió el prestigioso Premio Grierson director del mejor largometraje documental en el Festival de Cine de Londres de 2006. Esta película también ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine Independiente de Boston, la Newport Festival Internacional de Cine, y el Jackson Hole Film Festival. Ella también recibió una nominación EMMY 2007 al Mejor Director de la No-Ficción de programación para la película, "Thin".
Desde que empezó su carrera en 1991, sus fotografías se han publicado regularmente en revistas incluyando el New York Times Magazine,Time, Stern, The New Yorker, Teen Vouge ELLE,Harper's, Harper's Bazaar, Marie Claire,The Guardian,y el London Sunday Times Magazine. Ella es un miembro de la Agencia VII de fotos, una fotografía de cooperación internacional, y ha recibido numerosos premios de fotografía y subvenciones, incluido el ICP Infinity Award, una la subvención de la Fundación Hasselblad, y el People's Choice Award en la Bienal de Moscú. Ella está casada con Frank Evers (Presidente / Fundador de la Nueva York de fotos Festival), con quien tiene dos hijos (Noah y Gabriel), y que residen en Venecia, California.
